#ELPHOTOBUNKER BOOK

¡Hola! Hoy os presento este proyecto que se lanzó hace más de un mes UFCA: el libro de #elphotobunker.

¿QUÉ ES?

Es un proyecto fotográfico/editorial impulsado por UFCA. Todo comenzó al declararse el estado de alarma por el Covid19 en España. Su equipo directivo fue hábil y consciente de que estaríamos confinados en casa mucho tiempo, aunque fue más meses de lo que todos esperábamos. La idea se propuso a partir de la comunidad de Instagram donde se mostraría nuestro mundo mediante cualquier tipo de cámara. Cualquier persona era libre de participar fotografiando: nuestro día a día, realidad, entorno, familia, vistas desde casa, … En definitiva, nos invitaron a que todas/os participásemos y compartiéramos parte de nuestra intimidad y extraña situación diaria. 

Para formar parte de esta aventura, las fotografías debían subirse a la red social Instagram usando el hashtag #elphotobunker, sin limitación de imágenes. Como bien dijo Alberto Galán (presidente de UFCA), muchas personas han vivido estos meses absolutamente encerradas, como en un bunker, y pocas han podido disfrutar del lujazo de tener un patio, una terraza o un balconcito.

Tras la gran aceptación de la propuesta en la red y la calidad de imágenes, UFCA quiso que las fotografías quedasen recogidas en forma de objeto… y pasar de una “p” a otra: de la “pantalla” al “papel”.

Tras una complicada selección ¡aquí tenemos el resultado! Resumir casi 3 meses de confinamiento y 4.000 fotografías en unas 60 páginas no era tarea fácil. Por ello, desde aquí animo a que entréis en Instagram y disfrutéis de la “galería virtual” que se ha creado con el hashtag #elphotobunker con fotografías de diferentes puntos de España. ¡Podrían salir otros 10 libros diferentes igual de interesantes, con fotografías y narrativas diferentes! Aprovecho para dar mi enhorabuena a todas/os.

EL LIBRO

Las imágenes de esta experiencia extraña y social, quedan recogidas en un fantástico libro financiado por la propia asociación sin ánimo de lucro UFCA.  

Web de UFCA: entrada de marzo 2020 donde comunicaba el crecimiento de #elphotobunker y la posibilidad de darle formato libro.

El libro está compuesto por 72 fotografías de 40 autores. Una de las características interesantes es su maquetación donde las imágenes se han dispuesto tocándose entre sí, hecho que no hemos podido hacer entre nosotras/os durante el confinamiento (y no deberíamos hacer todavía por responsabilidad: el virus sigue entre presente no lo olvidemos). Las fotografías son las protagonistas de la lectura narrativa, acompañadas con los textos de Federico Fuertes.

Su tamaño es de 25x19cm en formato vertical y cubierta de tapa blanda con un laminado brillo, agradable al tacto. La encuadernación es tipo fresado. Está compuesto por 68 páginas a color.

La maquetación del libro es fresca y dinámica. Se ha jugado con el color de los fondos, recordándome a las paredes en la Sala de Exposiciones de UFCA que suelen adaptarse y pintarse según la exposición o piezas. 

¡¡¡El libro está a la venta por tan solo 10€!!! Gastos de envío aparte. Los posibles beneficios obtenidos serán destinados a colectivos afectados por el Covid19. ¡No te quedes sin el tuyo!

¿Cómo comprarlo? Para saber más contacta con UFCA en info@ufca.es

¿QUIÉNES PARTICIPAN?

Todas/os las/os participantes en la edición del libro aparecen con el nombre/nick de sus cuentas de Instagram. Personalmente tenía curiosidad de saber sus nombres, por lo que los he buscado aportando un poco más de información, así como sus páginas webs para quienes tenga mayor interés de conocer a sus autoras/es. Mis felicitaciones a cada una/o de ellas/os.

Este es el listado de participantes siguiendo el orden en que aparecen en el libro:

*Aquella persona que no desee aparecer en este blog, que quiera cambiar/añadir/quitar su nombre o añadir/quitar su web que me contacte. No pude hablar con todas/os por lo que si alguien desea cambiar estos datos solo ha de escribirme 😉 .

LECTURA NARRATIVA

¡¡ Quién mejor que Alberto Galán para explicar la lectura narrativa de las páginas del libro !!

Aquí os dejo el directo que hizo en Instagram durante la presentación online del libro. Os animo a verlo para conocer mejor la idea de este bonito proyecto creado en comunidad.

ANÁLISIS DE FOTOGRAFÍAS Y REFERENCIAS CON LA HISTORIA DEL ARTE

Como aportación personal y admiración hacia el trabajo de las/os demás, he realizado un breve análisis de una selección de imágenes que aparecen en el libro.

He escogido cinco fotografías de diferentes géneros: paisaje, retrato, “paisaje doméstico” y bodegón. En cada una de ellas he visto influencias de la pintura. ¡Aquí voy!

1

@bego_lombardia_sampalo

Begoña Lombardia nos regala un fantástico paisaje que se divide en dos espacios: “aquí y allá“. En un primer término, “aquí”, aparecen gotas de lluvia sobre un cristal, que puede ser desde su casa o coche… por lo que nos la sitúa en un punto de vista desde un interior. Y “allá” está la naturaleza sublime con la grandeza de sus montañas y la niebla que acaricia los árboles. Fusiona dos espacios ( interior + exterior ) cargándolos de emoción. Se respira la humedad y el silencio. No aparece nadie en la escena, sólo estamos nosotras/os y el mundo.

La fotografía está tomada en formato horizontal, como tradicionalmente se han representado los paisajes. El punto de vista, aparentemente, es frontal a través de un cristal (supongo que desde su casa), aunque también puede decirse que sea un poco picado si pensamos que esté tomado desde un edificio.

Me encanta que esta imagen sea una de las que abre la narrativa del libro. Invita a soñar.

Tras la tormenta siempre llega la calma.

Aunque las gotas de lluvia aún estén sobre los cristales dejando su huella y presencia, el cielo nos dice que ya se va despejando, que pronto “el virus” (tormenta) pasará. (¡¡Bueno eso no lo dice la atmósfera, ha sido interpretación mía!!).

La imagen está dividida por planos, líneas y texturas. Las líneas de horizonte son uno de los primeros recursos y más utilizados para describir un paisaje. Así lo afirmó el doctor José Ávila:

“(…) un paisaje entendido de un modo amplio, puede ser cualquier cosa: por ejemplo, un conjunto de nubes blancas sobre un hermoso plano azul real, un simple conjunto de objetos inanimados dispuestos sobre un plano horizontal o el trazado de una línea horizontal, diciendo en dos partes el espacio diáfano del soporte, cuya línea nos sugiere algo muy básico en el sentido paisajístico, la división entre el cielo y la tierra.”

¿A qué referente del arte me ha recordado su fotografía?

Esta imagen me ha llevado a varios estilos pictóricos, por la plasticidad y texturas que la construyen. Desde el romanticismo al puntillismo y la abstracción.

Las gotas de lluvia que registran parte de lo sucedido en la escena se integran con el paisaje. Aun por la ausencia de colores intensos de la fotografía de Begoña, la textura de las gotas en el cristal es la que me recuerda a esas cortas pinceladas de la historia de la pintura. En mi opinión, de no ser por esas gotitas (puntillismo) la imagen no había tenido el mismo interés.

George Seurat, “Gravelines” 1890

Además, este tipo de paisajes tiendo a relacionarlos con la abstracción, donde con los mínimos elementos o planos construimos o simplificados el mundo.

Por ejemplo, el fotógrafo Antonio Camoyán tiene un trabajo fotográfico donde el arte siempre ha estado presente. De joven fue aficionado a la pintura y siempre ha estado muy vinculado con las artes. Su fotografía de abstracciones del Rio Tinto son un claro ejemplo de lo que el doctor José Ávila explicaba con respecto a la construcción de un paisaje partiendo de la línea como “horizonte”. Cómo dos planos separados por una línea pueden recordarnos a un paisaje, aunque no lo sea.

Estas con algunas fotografías de Antonio Camoyán del Tinto donde los barros y las maravillosas características del lugar dejan ver estos espectaculares colores sumado a la mirada del fotógrafo creando “nuevos paisajes del alma”.

2

@albertogalan

Esta fotografía me enamoró nada más verla, incluso le pedí a Alberto Galán que la quería impresa… y así ha sido: ¡apareció en el libro!

¿En qué género fotográfico catalogar esta imagen? Utilizaré una que tanta gracia me hizo un día al escuchárselo precisamente a él en una de sus explicaciones de una exposición: “paisaje doméstico”.

Vemos un pez en una pecera en el interior de una casa, tal vez en el salón. Compositivamente, el animalito está aproximadamente en el tercio inferior izquierdo del formato cuadrado, coincidiendo con una ventana con la persiana a medio abrir que dibuja la silueta del pez a contraluz. En él se centra el peso visual y protagonismo de la escena.

Por encima suya casi en el tercio superior izquierdo se refleja la luz de la ventana, creando una deliciosa textura del brillo del agua de la pecera. Las suaves ondas me recuerdan al mar. ¡Un mar vuelto del revés como si brotara del cielo! Quedo atrapada en esa esquina que me pasea por el mundo de los sueños y por el triste pensamiento de que el animal está en un mar paralelo y artificial.

Alberto ha dejado ver las líneas del cristal de la pecera, donde contenido y continente forman parte de la escena. La fuerza de la imagen recae en el lateral izquierdo con los siguientes elementos: pez + ventana + ondas de agua + cruce de líneas + contraste de luces. Casi con un “viñeteo” negro se envuelve el ambiente verdoso-azulado que me lleva al mundo de los sueños y surrealismo. Pero… ese color ¿no os da la sensación de peligro? Ese pequeño e inofensivo pez podría de un momento otro saltar y atacarnos como si de una piraña o tiburón se tratase, daría un vuelco a la historia (igual que el Covid19 nos ha sorprendido por sorpresa). Pero luego, miro hacia arriba, hacia “el mar del cielo” y vuelvo a entrar en armonía y paz con la escena.

¿A qué referente del arte me ha recordado su fotografía?

Sin lugar a dudas el surrealismo en general, el mundo extraño de los sueños y la más pura imaginación es el estilo artístico al que me lleva esta fotografía. No puedo saber en qué grado de racionalismo o espontaneidad llevó a Alberto Galán a tomar la imagen, pero desde luego la escena resultante parece otra dimensión del mundo.

Entre los pintores del surrealismo, además de Dalí, me vino a la cabeza el artista M. C. Escher que, aun desde un punto de vista muchísimo más completo y menos racional de lo que el surrealismo puro abogaba, creaba varios espacios en una misma escena. Que en resumen es lo que más me atrajo de la fotografía de Alberto, varios espacios en uno solo y toda la fantasía que ha despertado en mi imaginación.

M.C. Escher, “Other World” 1947

3

@karmeleetxeandia 

Una mirada hacia la intimidad personal, el “yo” en el que podemos sentirnos identificadas/os y refugiadas/os. ¿Cuántos autorretratos podemos ver cada día o cuántos se tomarían durante la cuarentena reafirmando nuestra existencia? Es un género inagotable y siempre sorprendente. Karmele Etxeandia se autorretrató/a, mucho, experimentando con la técnica y expresándose con su cuerpo (para mí muchas de sus imágenes a caballo entre la fotografía y la performance).

Esta foto está divida en dos. A la izquierda un negro profundo ocupando dos tercios de la imagen. Y a su derecha, en un tercio, el retrato que surge de la oscuridad. ¿Surge o se hunde entre las sombras? Como sea el rostro parece apacible, que descansa, que sueña,… ¿ha encontrado la paz y cordura dentro de todo este gran caos? O, ¿se deja llevar por los acontecimientos derrotada?

La fotografía es en formato cuadrado, cerrando y focalizando la atención en el único elemento de interés: el retrato. El encuadre es plano medio corto. La cara tiene una leve inclinación que le da un pequeño movimiento a la escena y nos conduce de la luz a la oscuridad. La parte iluminada ocupa el tercio de la derecha, donde generalmente el peso visual es mucho más fuerte y atrayente.

Pero no es un retrato donde la intención dada sea la de mostrar quién es, ni sus facciones, es un retrato emocional. Su cara está relajada, el pelo alborotado y se funde en la oscuridad… como el acto de aplicar gráfito o carboncillo sobre el papel, fundiéndola y haciendo que se integre con el entorno. La iluminación es suave acariciando y modelando sus volúmenes para perderse entre la penumbra: con los miedos, los sueños,…

¿A qué referente del arte me ha recordado su fotografía?

Tal vez la expresión o gesto de su retrato tan sugerente, la pose, o el ambiente atemporal, que aún a sabiendas que se ha realizado durante la pandemia es difícil por sí misma identificar fecha o año de la toma. Mirándola no he dejado de recibir flashes mentales de imágenes de pinturas, dibujos y otras fotografías, ya que reúne en sí muchas características de la historia del arte.

Leonardo DaVinci, “La Scapigliata”, 1805. Dibujo.

En cuanto a su textura y blanco y negro, como ya he mencionado un par de párrafos atrás, me recuerda al dibujo a carbón o a grafito. Esto me lleva a los dibujos o fotografías del pictorialismo, que precisamente buscaba imitar a las artes plásticas: en cuanto a tema, técnica y poses.

Julia Margaret Cameron, “El beso de la paz”, 1869 (fotografía – pictorialismo)

Otras referencias que se me vienen a la cabeza, aunque aparentemente no tengan mucha relación es la pintura de la muerte de Ofelia de John Everest Millais  y algunas de las fotografías de Francesca Woodman. Ambas representaciones de la depresión y vida turbulenta.

4

@faustino_rodriguez_quinta

Fotografía de interior, o como diría Alberto Galán ¿”paisaje doméstico”?. Al igual que en la fotografía de Galán: una ventana y una referencia al exterior (recordatorio al mar), en el caso de Faustino Rodríguez Quintanilla aparecen unas montañas. Espacio al que Faustino deseaba volver a recorrer y observaba desde la ventana de su mente durante el confinamiento.

Me encanta descubrir belleza en fotografías de espacios vanales, donde otras personas fijan su mirada dotándoles de valor artístico o documental. He aquí un rincón cualquiera del interior de un hogar, o tal vez no tan insignificante. ¿Qué le habrá llevado al autor a prestar su atención y convertir ese “trozo de casa” en objeto fotográfico? Puede que sea la ventana por la que entran los primeros rayos de sol y ve al despertar cada mañana; tal vez guarde en la estantería sus libros y discos favoritos que suele ojear de vez en cuando; o sea la pared de su oficina donde tele-trabaja en casa y ha decorado su pared con una ilustración de Chamonix (cumbre más alta de los Alpes) que guarda con cariño de algún viaje pasado. El viaje… esos dulces espacios de tiempo en los que podíamos salir por doquier y disfrutar de la naturaleza, de la cultura y de la gente (- ainssssss – suspiro de añoranza).

Si volvemos a dividir el formato cuadrado de esta foto según la regla de los tercios en tres columnas. A la derecha encontramos la ventana, una estantería y un cuadro; en la columna central podemos concentrarnos en la textura de la pared, su color, el degradado de luces y sombras del ambiente, y a la izquierda su punto de interés principal con un póster sobre la pared y líneas dibujadas por la luz solar.

En mi opinión, es una fotografía con mucha información y movimiento pese a la tranquilidad que transmite. Nuestra mirada recorre la imagen de un lado a otro.

Yo comienzo el recorrido visual desde el pico de la montaña de la ilustración del póster. Me llama la atención la cumbre de color rojo anaranjado que contrasta con su color complementario, el verde azulado y los suaves tonos celestes de la nieve. Tras deleitarme en ese romántico paisaje bajo hacia la textura de líneas diagonales que la luz proyecta a través de la persiana. Se genera un ritmo por repetición de luces efímeras. Nos hablan del tiempo, y sabemos que es de día fuera. La dirección y ángulo de las luces irán cambiando y desapareciendo. Esas diagonales me dirigen (o provienen) hacia la derecha: ventana, estantería y ¡otro cuadro! ¡No puedo ver qué hay representado en él! Y eso me causa una gran curiosidad. Tal vez si lo viera no tendría tanto interés para mí como el misterio de su contenido. Está en la penumbra, es más pequeño que el póster y desde nuestro ángulo está en perspectiva, todo ello dificulta más la posibilidad de saber qué hay representado. Pero esa intriga, es lo que hace que se mantenga viva la atracción. La pared de la habitación está pintada de azul celeste bañada de pinceladas que imitan las nubes, textura “celestial” que invita a soñar.

¿A qué referente del arte me ha recordado su fotografía?

Observando la fotografía de Faustino me aventuro en un “viaje” por las montañas del MontBlanc que a su vez, me llevan hasta la pintura impresionista cuando un grupo de pintores se vieron atraídos por la cultura oriental japonesa. Tal vez creáis que desvarío un poco, (serán el calor…) ¿cómo la fotografía de Faustino me devuelve al siglo XIX con una pintura que aparentemente nada tiene de relación?

Todo radica en el punto principal de interés: el póster. Esa imagen sin haber sido consciente de ello en un primer momento, se enlazó a otra del grandísimo e importante pintor japonés Katsushika Hokusai (gracias al cual nuestra cultura visual y artística le debe mucho). Los colores complementarios, el estilo dibujístico e incluso mi pasión por la pintura de paisajes sublimes del romanticismo (también aún latente en el siglo XIX) hicieron que me fijase con mayor atención en el póster y viera el parecido con la pintura “el volcán rojo“. Y una cosa me llevó a la otra. De repente me vi dentro de los cuadros de Van Gogh, Manet, Gauguin y Matisse, donde los cuadros/dibujos/grabados cuelgan en las paredes en espacios donde se respira paz.

Katsushika Hokusaica. “El volcán rojo”. 1830–32

Los artistas japoneses que tuvieron gran influencia fueron, entre otros, Utamaro y Hokusai. Curiosamente, mientras el arte japonés se hacía popular en Europa, al mismo tiempo, la bunmeikaika (文明開化, «Occidentalización») llevó a una pérdida de prestigio para esas estampas en Japón

Entre los artistas que se vieron influidos por el arte japonés estuvieron ManetPierre BonnardHenri de Toulouse-LautrecMary CassattDegasRenoirJames McNeill Whistler (Rosa y plata: La princesa del país de la porcelana, 1863-64), Monetvan GoghCamille PissarroPaul Gauguin, y Klimt. Algunos artistas, tales como Georges Ferdinand Bigot, incluso se mudaron a Japón debido a su fascinación con el arte japonés.

5

@pacotamayopino

Para finalizar, una imagen en blanco y negro con tres embudos sobre una mesa con papel arrugado y un fondo liso.

Fotografía en formato cuadrado donde Paco Tamayo encaja los elementos equilibradamente y casi simétrico, usando un punto de vista contrapicado. Si trazamos una vertical por el centro del plano y dividimos por la mitad la imagen vemos una composición triangular, donde uno de los embudos hace de vértice. Si nos fijamos la textura de un “suave doblez” del fondo coincide por esa mitad dibujando una “esquina”. 

¡El número de tres es mágico!” Repetía una y otra vez mi profesor de fotografía Carlos Feliú. El fotógrafo ha compuesto la escena usando el equilibrio del “tres”. Los 3 elementos forman un conjunto, aportando dinamismo y movimiento por la escena en el recorrido visual triangular, pero a su vez añade estabilidad.

Los elementos están centrados en la composición, ocupando gran parte del formato y sin nada a su alrededor que nos distraiga. Les observamos en silencio.

No sabemos qué hora del día es, o si la luz es natural o artificial. Es una imagen atemporal, aunque sabemos que se realizó durante el confinamiento porque su autor participó con esa imagen en #elphotobunker y todas las fotografías debían ser disparas durante en ese tiempo. Pero podría haberse realizado durante cualquier día, cualquier año…

El género de esta fotografía es el bodegón o naturaleza muerta. Es una escena preparada donde los embudos se apoyan por su base mayor sobre una mesa o taburete. Tamayo hace uso de la plasticidad incluyendo varias texturas y el dominio de la luz.  La fuente que ilumina la escena proviene de la derecha generando textura en las arrugas del papel sobre las que se apoyan los embudos. Éstos contrastan por su superficie lisa, forma y volúmenes entre luz y sombra. El fondo, pese a ser plano, tiene un interesante “grano” en la mitad izquierda.

¿A qué referente del arte me ha recordado su fotografía?

Giorgio Morandi (1890-1964, Bologna – Italia) es uno de los grandes de la historia de la pintura. Se nutrió de la pintura renacentista y barroca, pero uno de sus mayores referentes fui Giogio de Chirico. Morandi es uno de los artistas del movimiento de la pintura metafísica, para la que los objetos descontextualizados de su cotidianidad tomaban protagonismo: botellas, vasos, jarrones, etc.

“El artista toma de la pintura metafísica la focalización en la simplicidad de las cosas cotidianas, entendida como una forma de llegar a encontrar un estado del ser más puro y oculto, así como la quietud de los espacios, que a pesar de parecer controlados y acotados no dejan de tener cierto halo de misterio”.

Con la fotografía de Paco Tamayo he visto similitud con la serie de pinturas de botellas de 1957 de Morandi, por las formas, los elementos en un solo conjunto, la línea de horizonte, el ambiente silencioso, la atmósfera mágica…

Morandi, Óleo sobre lienzo ‘Naturaleza muerta’, expuesta en Bilbao.

En UFCA encontrarás toda la información sobre este proyecto: https://www.ufca.es/el-photobunker-book-mision-cumplida/

*Todas las fotografías pertenecen a sus autores.

BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA:

  • ÁVILA, José, Morfología y conceptos del paisaje en el arte, Universidad de Sevilla, 2015.
  • Francesca Woodman, Ser un ángel, Ed. La Fábrica.
  • Giogrio Morandi

https://cincodias.elpais.com/cincodias/2019/04/11/fortunas/1555008377_708305.html

https://www.guggenheim-bilbao.eus/aprende/mundo-escolar/guias-para-educadores/natura-morta-1920

Además de estas referencias podéis encontrar más enlaces interesantes de definiciones o vídeos en las palabras azules señaladas en el texto.

¡Gracias por leerme y espero que os haya gustado!

Hasta el siguiente post. 🙂

Un pensamiento en “#ELPHOTOBUNKER BOOK

  1. Pingback: #ELPHOTOBUNKER BOOK, 2020 – Dori Fdez

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